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TENDENCIA:                          Logo Esclavo        
ESTILOS ARTISTICOS:    
   Barroco:
Es un estilo artístico, dramático, que se utilizó en arquitectura, pintura y escultura, y que intentaba despertar las emociones del espectador.  Los artistas y arquitectos que incursionaron en este estilo, utilizaron todo tipo de trucos para crear una ilusión visual de formas y movimientos. Este estilo floreció desde 1600 hasta 1740.  
   Clásico:
Es el arte desarrollado durante el periodo griego y romano. El arte clásico es esencialmente humanístico, ordenado, bien proporcionado y con formas simétricas.  
   Gótico:
Estilo artístico que no se atuvo a las reglas clásicas del arte. Estrictamente se aplica a la arquitectura que floreció en  Francia  y en todo el occidente europeo entre los siglos XII y XVI.  Su característica principal es la de dar mayor altura a las construcciones y la de alige - rarlas, disminuyendo la utilización de muros y sustituyendo los por vitrales con escenas sagradas. Se utilizó en la construcción de catedrales de grandes dimensiones.  
Manierista:
Este estilo se extendió por Europa entre 1530 y 1600.   Se caracteriza por utilizar figuras que aparecen en posturas exageradas, por ejemplo, demasiado alargadas y con  cabezas muy pequeñas en proporción al cuerpo.  Es decir, las figuras principales de la composición son exageradas o distorsionadas. Un artista que representa muy bien esta época es el pintor español  Domenico Theotocopulis, mejor conocido como "El Greco".  
   Neoclásico:
Se le llama así al estilo que busco el resurgimiento del arte clásico en el siglo XVIII. Los artistas de esta época utilizaron, en su provecho, todas las lecciones aprendidas desde la antigüedad para señalar la importancia de los movimientos políticos y sociales de la época.  
   Romántico:
Se aplica este concepto al estilo artístico que inicio en el siglo XVIII.  En el romanticismo, el artista busca despertar la sensibilidad con temas referentes a la naturaleza y otras formas de interés emocional.     La condición romántica consiste tanto en elegir un tema que inspire pasión,  así como en realizar la obra de una manera libre y fuerte.
   Renacimiento:
Palabra de uso general para designar el surgimiento de la cultura y las artes en los siglos XIV, XV y XVI, todo ello bajo  la influencia de las artes y ciencias clásicas de la antigüedad. Son características del periodo renacentista, la armonía y belleza alcanzadas en las obras de arte realizadas durante esta  época.  Los artistas más importantes de este periodo son:
Leonardo da Vinci,
Rafaello,
Tiziano,
Brunelleschi,
Alberti,
Giotto,
Miguel Angel
Estilo Barroco:
Características del arte barroco
Entre las características generales del arte barroco están su sentido del movimiento, la energía y la tensión. La religión determinó muchas de las características del arte barroco.   Barrocas, Arte y  arquitectura, estilo dominante en el arte y la arquitectura occidentales aproximadamente desde el año 1600 hasta el 1750.
El barroco en Flandes está dominado por la brillantez de Petrus Paulus Rubens. El estilo maduro de Rubens, colorista, de composiciones dinámicas y voluptuosas formas femeninas, marca el apogeo de la pintura barroca en el norte de Europa, ejemplificado en su famosa serie de 21 enormes lienzos sobre la Vida de María de Medici (1621-1625, Louvre, París) y en la serie de La torre de la Parada (1635-1640, Museo del Prado).   Los escultores barrocos flamencos tomaron frecuentemente su inspiración del arte italiano. François Duquesnoy trabajó con Bernini en Roma, realizando el gigantesco San Andrés del Vaticano en 1633.   El estilo pictórico de Artus Quellinus presenta claras influencias italianas y del propio Rubens.  El gusto romano también se plasmó en la arquitectura flamenca, como se ve en la ex-iglesia jesuítica de San Carlos Borromeo (1615-1621, actualmente es un museo) en Amberes (Bélgica).  
Barroco en Holanda
Al comenzar el siglo XVII muchos artistas holandeses, incluido Hendrick Goltzius, todavía pintaban al estilo manierista. El barroco de Caravaggio llegó a Holanda cuando determinados artistas, entre los que sobresalen Gerrit van Honthorst y Hendrik Terbrugghen, retornaron a su país natal procedentes de Italia; hacia 1620 el naturalismo estaba fuertemente asentado en la escuela de Utrecht. Diferente al resto de artistas holandeses,  Rembrandt, el maestro más grande del barroco holandés, pintó una gran variedad de temas: -retratos, paisajes y escenas históricas, mitológicas y religiosas- con incomparable virtuosismo.   Paisajes,  bodegones,  cuadros de animales y perspectivas arquitectónicas se convirtieron a partir de su obra en importantes géneros de la pintura holandesa.
Barroco en Inglaterra:
La pintura barroca en Inglaterra estuvo dominada por la presencia de Van Dyck, inspirador de una generación entera de retratistas. La escultura recibió influencias, igualmente, de los estilos italiano y flamenco. Sir Christopher Wren también viajó a Italia y Francia, y sus proyectos para la catedral de Saint Paul en Londres (iniciada en 1675) revelan su profundo conocimiento de Bramante, Bernini y otros arquitectos italianos. El manierismo también se conservó en las pinturas de Jacques Callot y Jacques Bellange. El naturalismo barroco evolucionó de la mano de artistas como Valentin de Boulogne, que había vivido en Italia, y de aquellos otros que habían tenido relación con los pintores flamencos naturalistas, como los hermanos Le Nain y Philippe de Champaigne. De enorme transcendencia en la historia de la pintura barroca francesa fue el clasicismo de Nicolas Poussin. Aunque vivió en Roma la mayor parte de su vida, la influencia de Poussin -como la de su compatriota en la capital italiana Claudio de Lorena- en su país natal fue enorme. La segunda mitad del siglo XVII abrió paso a un arte plenamente barroco, donde se combinaba el clasicismo precedente con los nuevos gustos dictados por la Academia de Bellas Artes, ejemplificado en los frescos de Charles Lebrun para el palacio de Versalles. El último exponente de la pintura barroca francesa fue Antoine Coypel, fuertemente influido por la obra de Rubens, como se aprecia en las pinturas para la capilla real de Versalles.  La escultura de Pierre Puget también fue característica del pleno barroco, mientras que François Girardon y Antoine Coysevox practicaron un marcado clasicismo en las esculturas monumentales para el rey Luis XIV. El palacio de Versalles (comenzado en 1661), construido para albergar la corte de Luis XIV por Louis Le Vau, André Le Nôtre y Charles Lebrun, es el monumento arquitectónico más importante del barroco francés.
Barroco en Austria y Alemania:
Aunque los acontecimientos políticos -guerra de los Treinta Años (1618-1648) en Alemania y presencia de los turcos en Austria- impidieron el desarrollo del barroco en ambos países hasta el siglo XVIII, algunos artistas importantes se destacaron a lo largo del siglo XVII. Balthasar Permoser, en Baviera, asimiló el estilo del pleno barroco italiano trasladándolo a Dresde, donde se convirtió en el escultor barroco más destacado. Uno de los más destacados arquitectos barrocos de Austria, Johann Bernhard Fischer von Erlach, demostró su perfecto conocimiento de los modelos italianos en la exuberante iglesia de San Carlos Borromeo en Viena (1716-1737).
El arte barroco engloba numerosas particularidades regionales. Arte barroco en Italia   En Italia, la pintura, escultura y arquitectura barrocas evolucionaron a partir del manierismo.
Diego Velázquez:
Famoso por su técnica y la dignidad de los personajes   de sus cuadros, sin importar su nivel social.  Obra más famosa:   "Las meninas".   También pinto muchos  cuadros de Felipe IV  y su corte, unas escenas de la vida popular, por ejemplo "La mujer cocinando huevos", "El desayuno", temas de la mitología, cuadros históricos y algunos cuadros religiosos.   
Francisco Zurbarán: temas religiosos, sobre todo santos y monjes.   Guiseppe (Jose) Rivera: temas  religiosos  de  mucho  dramatismo  y realismo   Esteban Murillo:  temas religiosos, sobre todo "La Virgen Imaculada" ; cuadros sentimentales de niños pobres.   Arquitectura   el estilo herreriano: austero, sin ornamento.  El ejemplo más famoso: El Escorial (monasterio/palacio de Felipe II)   el estilo barroco  (decoración masiva, abundante, y suntuosa, con muchas curvas, todo el contrario del estilo herreriano ).  Hay muchos ejemplos en España. También es el estilo que se arraigó  en el Nuevo Mundo.   también en la música:   Habia muchos compositores importantes en su época, sobre todo en música para el órgano y  guitarra `los vulcanos` de  Velásquez.
La Pintura Del Barroco En Italia.
A finales del siglo XVI la pintura barroca se inicia bajo la influencia del Caravaggio.  El nuevo estilo favorece los temas religiosos y arrincona la mitología a los palacios, combina realismo e ilusión, descuida el dibujo y usa profusamente los tonos dorados. El claroscuro se vuelve más dramático y la perspectiva adquiere importancia. La  composición sigue líneas onduladas, circulares o quebradas.  Caravaggio y  Tiépolo, desde luego, no son los únicos pintores del Barroco italiano.  También hay importantes escuelas en Roma y Nápoles.  En los otros países debemos mencionar a:  

   Ribera
   Velázquez
   Rubens
   Rembrandt
   Poussin
   Le Nain

Miguel Angel Amerighi,
el  Caravaggio.
(1573-1610).
A pesar de su breve vida entre Roma, Malta y Nápoles y de sus problemas con la justicia, encuentra tiempo para involucrase en discusiones contra las tendencias manieristas y rompe con ellas, suscitando con cada cuadro un escándalo y definiendo finalmente los lineamientos de un nuevo estilo.   
Destaca por sus composiciones simples donde la luz lateral provoca una fuerte oposición entre las zonas iluminadas y las sombras.   
El fondo oscuro de sus cuadros pone de relieve las figuras cuya suavidad llega a veces hasta la ambigüedad. Aplica el realismo aun en sus pinturas religiosas y se inspira en el mundo que lo rodea para pintar luminosos bodegones.     
Entre sus obras se encuentran:  
   -"Descanso de la huida de Egipto",  
   -"La canasta de frutas",  
   -"Bacco" y  
   -"La degollación del Bautista".  

Su influencia toma precisamente la forma del "Caravaggismo".
PINTURA:  ROCOCO
Giambattista Tiepolo (1696-1770).
Tiépolo, de Venecia, es otro pintor  notable del Rococó italiano aunque también trabaja en el extranjero.    
Tiepolo
Su especialidad es decorar bóvedas al fresco.   
Ahí plasma perspectivas abismales acentuadas por escorzos oblícuos, elementos de mármol, nubes, numerosos caracteres vestidos de colores suntuosos y, entre ellos, pages y buffones.  Utilisa de preferencia colores claros y mucho blanco. Por ello, sus cuadros son luminosos. Además, se nota en ellos, la influencia del Veronés.   
tiepolo1
Algunas de sus obras más conocidas son:
•  La decoración de la capilla Callioni de Bergamo,  
•  "La Comunión de Sta Lucía",  
•  "Neptuno ofreciendo a Venecia las riquezas de mar",   
• "El banquete de Cleopatra"

En un marco de arquitectura renacentista aparecen personajes trajeados  algunos según la moda típica del siglo XIIII y otros según su origen. Un enano deforme, en harapos, sube las escaleras que llevan a la mesa de la reina. Esta, por un lado de la mesa, enseña a  Marco Antonio la perla que esta a punto de disolver en vinagre.  

La Pintura Rococó En Francia.
Los temas de la pintura rococó tienden a la superficialidad, los colores a la alegría y la luz se insinúa donde puede. Los personajes, reales o imaginarios son idealizados.   Dado que el estilo nació en Francia, ahí es donde se encuentran los artistas más representativos, pero también hay pintura rococó de interés en  Italia y en  Inglaterra.     
Aunque  Watteau,  Boucher, Chardin y Greuze pertenecen a esta época, el pintor rococó por excelencia es Jean Honore.   
Fragonard (1732-1806).
Fragonard
Fragonard se considera como amo del Rococó alegre y juguetón, supo traducir actividades simples y situaciones en las escenas de buen gusto, estéticas dedicó para amar solamente la belleza.      
Su preferencia para erótico, pero escenas del unembarrassing, el ritmo rápido de sus cuadros, y el énfasis en las leyes inherentes de arte sin bordar el tema con la mitología clásica le hizo intérprete significante del cuadro moral contemporáneo Él era un colourist del virtuoso que estaba particularmente el ertective en traer hojas y nubes a la vida por medio del brushwork vigoroso, pero su hábito de agregar a menudo mucho blanco. hace del color parecer artificial  sorprendentemente, Fragonard era el reiected por la  corte francesa bajo Louis XV como también persive, aunque él recibió muchas comisiones de los clientes privados.  

Ribera
(1591-1652).
Este  pintor  español vive en Italia  donde frecuenta todas las clases sociales.   Su pintura refleja estas experiencias en una selección de temas variados que incluyen la evocación del pasado, la mitología y los santos. Muestra una predilección para la infancia desprotegida y los mártires agonizando.   
Subraya lo pícaro y captura el detalle naturalista. Sus cuadros de filósofos y científicos resumen la época: los personajes tienen rostros de campesinos tostados por el sol, el pecho descubierto y sonrisas de conquista o de duda que descreditan, como lo desea la iglesia, tanto la antigüedad como la ciencia.  Se pueden mencionar su "niño cojo" y dos "Martirios de San Bartolomeo", uno de ellos particularmente sangriento.   
Su arte tiene gran resonancia en sus compatriota.     

POSTIMPRESIONISMO

Término que engloba los diferentes estilos pictóricos que sucedieron en Francia al impresionismo, entre 1880 y 1905 aproximadamente. Fue acuñado por el crítico británico Roger Fry en 1910, con motivo de la exposición celebrada en Londres de pinturas de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent Van Gogh. Además de estos tres artistas, también se incluyen en esta corriente Henri de Toulouse-Lautrec y Georges Seurat.
Aunque los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas, reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo. Seurat, denominado neoimpresionista por sus criterios más próximos al impresionismo, inventó una técnica denominada puntillismo, cuyo ejemplo más destacado es el cuadro Un domingo de verano en la Grande Jatte (1884-1886, Instituto de Arte de Chicago).

   La obra de  Cézanne, Gauguin y Van Gogh se caracterizó por un uso expresivo del color y una mayor libertad formal. Cézanne se interesó por resaltar las cualidades materiales de la pintura, representando seres vivos y paisajes, volúmenes y relaciones entre superficies, como en  Pinos y  rocas (1895-1898, Museo de Arte Moderno, Nueva York). Su interés por las formas geométricas y la luz prismática inherente en la percepción de la naturaleza anticipó los experimentos del cubismo.

   Gauguin, en un intento por conseguir la capacidad comunicadora del arte popular, se centró en la representación a base de superficies planas y decorativas, como se aprecia en la obra Calvario bretón (1889, Palacio de Bellas Artes, Bruselas). Van Gogh, por su parte, se aproximó a la naturaleza con vigorosas pinceladas coloristas, evocadoras de las emociones internas del artista. Su experimentación subjetiva, ejemplificada en Noche estrellada (1889, Museo de Arte Moderno de Nueva York), preludió el expresionismo. Toulouse-Lautrec estuvo fuertemente influido por las composiciones lineales de los grabados japoneses, y su obra se caracterizó por los intensos grabados de contorno y los colores planos.

   Otros movimientos artísticos posteriores, como el cubismo, el expresionismo, el fauvismo, el surrealismo y el futurismo, presentaron algunas de las características de la pintura impresionista: la libertad expresiva del artista y el énfasis en el concepto abstracto del arte. En concreto, las vanguardias artísticas del siglo XX reflejaron la nueva interpretación del mundo preconizada por  Cézanne,  Gauguin y Van Gogh.

NEOIMPRESIONISMO
Movimiento artístico de finales del siglo XIX, fundado por el pintor francés Georges Seurat.  El término fue acuñado en 1886 por el crítico de arte Félix Fénéon para designar el nuevo estilo empleado por Seurat en Un baño en Asnières (National Gallery, Londres), que había sido expuesto en 1884 en el Salón de los Independientes en París. El objetivo de Seurat era sistematizar una teoría del color que había sido intuida casualmente y sin rigor científico por los impresionistas. A través de la técnica que denominaba divisionismo (conocida hoy día como puntillismo), Seurat aplicaba la pintura en el lienzo en minúsculas manchas de pigmento puro, con fuertes contrastes de color. Estas composiciones, contempladas desde una distancia óptima, reproducen con brillantez los efectos lumínicos.
Además de un uso sistematizado del color, otro principio básico del neoimpresionismo fue la composición concienzuda del cuadro, así como el cuidado del dibujo. En este aspecto el neoimpresionismo rechazó el ideal impresionista de la objetividad no estructurada. El inmenso cuadro Un domingo de verano en la Grande Jatte (1886, Instituto de Arte de Chicago) es una muestra de la madurez de Seurat y fue el punto de atracción en la "Exposición impresionista" de París, celebrada en 1886.
Otros destacados componentes de este estilo fueron Camille Pissarro  y Paul Signac (quien se convirtió en un apasionado propagandista del movimiento).  Por su esquematismo formal y su cualidad científica, el divisionismo se convirtió en un importante precursor del arte moderno: una retrospectiva de la obra de Seurat, llevada a cabo en 1905, tuvo una influencia decisiva en la aparición del cubismo.    

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Lunes, 15 de Enero de 2001.